Mi primer cortometraje en cine

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Mis secuencias favoritas vol. 5

Como ven he cambiado el nombre de la sección. Si para muchos he ido degenerando, de Peckinpah a El Rey león, ahora tocaremos fondo a ojos de los más puristas.Que les folle un camello tuerto. Esta sección se llamará "Mis secuencias favoritas" y ésta que les ofrezco es una de ellas. La película: "Sister act 2", de Bill Duke. La hermana Mary Clarence de nuevo en el convento. Aunque la premisa original se pareciera a "Entre tinieblas" de Pedro Almodóvar (sin Sor Rata de Callejón), la segunda entrega de esta saga es infinitamente superior a la primera.

La razón por la que pongo esta película de la Goldberg en esta sección de nombre tan pomposo y megalómano es simple. Me gustan las feel good movies. Las pelis que te hacen salir volando del cine y creyendo que elmundo no es el lugar apestoso y decadente que es (calla, john doe), sino un lugar donde la redención y la felicidad son posibles. Y "Sister act" me hace creer en un mundo mejor, que una clase de fumadores de peyote pueden convertirse en adictos al bel canto por la labor de una pseudomonja. Alabado sea este cine. Alabado "En busca de Bobby Fischer", "Billy Elliot" y "Full Monty". Que Dios salve "Sister act 2".

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Grandes secuencias de la historia del cine Vol. 4

Pocas películas han sido tan resistentes a ese juez cabrón que es el tiempo. Y ahí está Casablanca. Pero la película de Michael Curtiz (con la influencia fundamental de Howard Hawks) es algo más que la secuencia del aeropuerto y el celebérrimo flashback. Estoy completamente enamorado de ella. Su carisma y la profusión de personajes emblemáticos (bendito Renault, magnífico Laszlo, qué decir de Rick), la hacen una película imperecedera. He aquí una de mis secuencias favoritas. En el bar de Rick, los acólitos nazis de Strassen cantan el himno alemán. Victor Laszlo, refugiado político, hombre de altura y cornudo eventual, no se quedará de brazos cruzados. Vive la France!

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¿El cine español es una mierda? (y 2)

- “La torre de los siete jorobados” (Edgar Neville, 1944): Rara avis del cine de los 40. Si el panorama cinematográfico de la inmediata postguerra estuvo presidido por un monolitismo ideológico que llevó a directores como Rafael Gil, Juan de Orduña o José Luis Saenz de Heredia, ha convertirse en portavoces del nuevo régimen, otros directores, como Carlos Serrano de Osma, y sobretodo Edgar Neville, aportaron frescura y originalidad a una época bastante gris. “La torre de los siete jorobados” narra las peripecias de…eso…siete jorobados que en el sótano de una sinagoga se dedican a la falsificación de monedas. Si el argumento es ya de por sí sublime por lo descacharrante, la película destaca en lo formal. Hoy que el cine español se debate entre la caspa de bar y puticlub, y la copia miserable de la realidad americana, Edgar Neville consigue en “La torre…” un equilibrio de tendencias cinematográficas dispares que para sí quisieran muchos realizadores de nuestra época. Entre el casticismo madrileño y el expresionismo alemán, esta película contiene un sinfín de imágenes atractivas y sugerentes que hoy debemos reivindicar. Lástima que la carrera de Neville en los años cincuenta perdiera frescura. Uno de los mejores y más internacionales directores de cine español. No se pierdan sus películas.

- “Los últimos golpes del Torete” (José Antonio de la Loma, 1981): Si Tarantino hubiera vivido en Murcia, este sería nuestro blaxpoitation. Ahora que “Death Proof” ha puesto de moda películas como “Vanishing point”, y los niñatos pijos hablan de las “muscle car chase” como si hubieran visto alguna, es el momento de reivindicar nuestro cine de persecuciones patrio. Delincuentes juveniles, tiros, frases macarras y persecuciones a toda hostia. Arriba el cine quinqui! Arriba el Torete! Dios salve al Jaro!!!

- “Padre Coraje” (Benito Zambrano, 2001): “Si no metes Padre Coraje te rajo”. Ese es el mensaje que he leído esta mañana al abrir el Messenger. Y yo, que aparte de cagón, no tengo personalidad, incluyo “Padre Coraje” en esta lista. Uno de los grandes defectos del cine español es intentar retratar realidades que el director o guionista desconocen. Y eso, claro, pasa factura al acabado formal y la verosimilitud de la historia que se nos está narrando. Los bajos fondos que retrata el cine español parecen los lienzos de un pintor que retrata a sus modelos con catalejo. Y el principal triunfo de “Padre Coraje” es la espontaneidad, cercanía y frescura que imprime a su mirada realista y descarnada de esos bajos fondos. Tan realista y descarnada que da miedo. Y donde muchas películas españolas fracasan, “Padre Coraje” triunfa. Porque esta cinta, como todas las de Benito Zambrano, nacen del corazón y consigue cautivarnos. Y qué decir de las interpretaciones. Un Juan Diego inconmensurable, rodeado de secundarios de lujo como Manuel Caro, Antonio de la Torre, Manuel Morón o el siempre genial Antonio Dechent (¡el Warren Oates del cine español!). ¿Y creen que he olvidado al Maquea? Lo mejor para el final. Vicente Zamora, en su papel de yonqui cabrón que se las sabe todas, está pletórico. Consigue que lo amemos y lo odiemos, que nos ríamos con él y le tengamos mucho, mucho miedo. Es una interpretación tan compleja, tan sutil, tan matizada, que todos los premios que alcanzó con este papel son pocos. Y es que el arte, amigos míos, guste a quien guste, pese a quien pese, se encuentra en el sur.

- “El ataque de los muertos sin ojos” (Amando de Ossorio, 1973): Cuando al director de la película, ya anciano, le preguntaron en una conferencia si recomendaría a alguien sus obras, él contestó: “Ni a mi peor enemigo”. Pero las pelis de Ossorio, Naschy, Klimovitz, Aured o Manuel Caño molaban y, junto con el cine quinqui, el terror hispánico es nuestro poitation particular. Cierto es que estas películas pertenecían a un género tan denostado como es el fantástico, puede que la mayor parte de ellas tengan la calidad cinematográfica de una cagarruta seca. Pero solo por la escasez de medios con las que fueron rodadas y el afán comercial que las presidía (fueron taquillazos en su momento y hoy en día siguen siendo obras de culto en todo el mundo), deberían ser objeto de estudio y reivindicación para todos los cinéfilos del mundo. He elegido “El ataque de los muertos sin ojos” como podría haber elegido “La noche del terror ciego”, “La marca del hombre lobo”, “Gritos en la noche” o “El buque maldito”. El teórico cinematográfico, Juan Miguel Company, definió el terror hispánico como “una estructura formal deficiente cuyos elementos constitutivos se encuentran en un estado de caos, incontrolado en sus últimas connotaciones por el director”. Quizás por eso me guste tanto. Y no se pierdan el trailer!!!

Faltan películas, lo sé. Pero valgan estos ejemplos para todos aquellos que reniegan del cine español por costumbre. Y no olviden una cosa. El mejor cine de terror y fantástico del mundo no es yanqui, ni siquiera japonés. El mejor cine de terror y fantástico se hace en España. Balagueró, Plaza, Cerdá, Bayona, Fresnadilla, Serra o Vigalondo, son las cabezas visibles de una generación de cineastas que serán ninguneados por sus compañeros, ya verán, pero a los que el futuro les guarda grandes éxitos. De momento, Vigalondo y sus "Cronocrímenes" ya se han alzado con el primer premio del Festival de Cine Fantástico de Austin, Texas. Y qué decir de la que va a liar "El orfanato". Buenos tiempos para el cine español de género.

Los que quieran hacer cine social que se jodan.

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¿El cine español es una mierda? (vol. 1)

Habrán escuchado esta afirmación en taxis, bares, iglesias y puertas de colegio. El españolito de a pie no le tiene aprecio al cine patrio. Yo tampoco. Si nuestro cine busca identificación con el espectador, conmigo no la consiguen. Ni me gustan muchos de sus dramas, ni me gustan sus estúpidas comedias. No obstante, este curso que pronto terminará, si bien en taquilla no ha sido especialmente boyante, sí que nos ha permitido tomar contacto con obras tan prometedoras como "Bosque de sombras", "Bajo las estrellas" o"Ladrones", y algunas cintas arriesgadas como "En la ciudad de Sylvia", "La soledad" o "La hora fría" (riesgo por ser una cinta de género en España, fallida porque es...cómo decirlo...no muy buena).

- "El laberinto del fauno" (Guillermo del Toro, 2006): Para poder calificar las bondades de una película, hay que dejar pasar el tiempo. En ese sentido, una buena cinta, es como un buen vino. Porque es el tiempo, no siempre justo, quien tiene que determinar si es un gran reserva o vinagre añejo. No obstante, la borrachera que me cogí el año pasado con esta película fue tal que no creo que los años la desvirtúen. Solo por entremezclar fantasía y guerra civil, su magnífico desenlace y la interpretación de Sergi López, merece la pena estar aquí.

- "Furtivos" (José Luis Borau, 1975): Estrenada en el festival de San Sebastián dos meses antes de la muerte del general Franco, esta sencilla película va más allá del melodrama para narrar una historia de posesión y locura. Un joven (Ovidi Montllor), que vive con su madre en el campo (soberbia Lola Gaos), un día conoce a una chica joven y decide darle asilo en su apartada casa. José Luis Borau, nombre fundamental de la historia del cine español, consigue con esta historia elíptica y metafórica, a la manera del cine de oposición de los setenta, esbozar una atmósfera claustrofóbica en una película que tiene como punta de lanza la relación materno-filial insana que Montllor y Gaos mantienen. No se la pierdan. Vaya voz cazallera la de la Gaos, vaya una madre hija de puta. Si a eso le sumas un final enorme (confesión, redención, venganza), obtenemos una maravilla.

- "El día de la bestia" (Álex de la Iglesia, 1995): Intentaré no decir la frasecita, lo juro...En fin, en 1995 y tras su más que prometedor debut con "Acción Mutante", Álex de La Iglesia se pasó al thriller satánico con una cuidada puesta en escena, una banda sonora de excepción y unas interpretaciones más que inspiradas...Prometo no decir la frase...La película, con una estética cercana al cómic y un acabado formal impecable, cuenta con escenas míticas que ya forman parte del acervo cultural de una generación (las secuencias del edificio Capitol,el Corte Inglés de Callao, la muerte de los Reyes Magos)...Y es que nadie cómo Álex de la Iglesia ha sabido sacarle un mayor provecho a una ciudad con tanto potencial cinematográfico como es Madrid...Y lo siento mucho, pero no puedo evitarlo: ¡SOY SATÁNICO Y DE CARAVANCHEL!

- "La madre muerta" (Juanma Bajo Ulloa, 1993): Segunda película de Bajo Ulloa, artista maldito de nuestro cine, "La madre muerta" comienza con el asesinato de una mujer por parte de Ismael, un psicópata venido a ladrón (Karra Elejalde). La hija lo ve todo. Años después, Ismael se encuentra fortuitamente con la niña, que ha crecido y se ha convertido en una mujer. Es paciente de un hospital psiquiátrico y se encuentra en estado catatónico desde la muerte de su madre. Ismael la secuestra creyendo que la chica lo reconoció y entre ambos se establece una relación enfermiza de violencia, cariño paternal y posesión sexual que va del ternurismo a la obsesión. Con referencias a "Ensayo de un crimen", de Buñuel, y con una violencia de cómic (la muerte de Ramón Barea o el suicidio de la francesa los vimos diez años después en "Oldboy"), su final redentor, bendita lluvia, es de los que merece la pena recordar. Una obra maestra. Con todas las letras. Y que Dios bendiga a Karra Elejalde.

- "Viridiana" (Luis Buñuel, 1961): La que formó el bueno de Don Luis con su regreso a España. Tras conseguir superar la censura previa de manera inexplicable, Luis Buñuel, con el apoyo de la mítica productora independiente Uninci y Pere Portabella, consiguió un reparto de excepción con Silvia Pinal en el papel de Viridiana y dos de nuestros grandes actores, Paco Rabal y Fernando Rey. Y digo inexplicable, porque la incorrección política de "Viridiana" hubiera creado polémica en estos conservadores días que nos ha tocado vivir. Buñuel ataca a todos por igual. A la Iglesia por posibilista e hipócrita, a los ricos por depravados, a los pobres por maleducados y pendencieros. Pocos se libran de la mirada despiadada de un Buñuel que apunta sus espejos deformantes hacia la sociedad española de la época y le saca los colores. La película, que consiguió la Palma de Oro del Festival de Cannes, llamó la atención del Vaticano y desde el "Osservatore Romano" la tacharon de blasfema. Su secuencia final, con un montón de mendigos y prostitutas escenificando "La última cena" de Miguel Ángel con el Mesías de Haendel de fondo (ver foto superior), quizás tuviera algo que ver.

Nota: El orden de las películas es aleatorio. Las amo a todas por igual.

Continuará...

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"El destripador de Nueva York", de Lucio Fulci

¿No han oído hablar nunca de Lucio fulci? ¿Ni siquiera les suena? Pues si les gustan las emociones fuertes, ya pueden ir a la mula y descargar sus películas. Si son de estómagos sensibles...Mejor que lo dejen, pardiez.

En fin, amigos, que espero haber llamado su atención sobre esta magnífica y muy entretenida película. Si les gusta el crimen, la sangre y la masturbación pédica, no se la pierdan. Si no, disculpen por haberles hecho perder su precio tiempo.

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Grandes secuencias de la historia del cine Vol. 3

Sinceramente, nunca he llorado tanto con una secuencia. Que se mueran los intelectuales de medio pelo. "El rey león" es la película de mi generación. Hamlet en la sabana africana. Jamás pude superar la muerte de Mufasa... Grandísimo Constantino Romero! Y larga vida al rey...

Odio y amo a Scar. Púdrete en el infierno, cabronazo. Mufasa lives!

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Trailer de la versión americana de "Funny Games"

Michael Haneke odia al espectador contemporáneo. En la estela de Bresson, Pasolini, Derek Jarman y Peter Greenaway, el polémico austríaco es el gran iconoclasta de los últimos quince años. Su cine cabrea, y es lo que pretende. Ante su cine no valen medias tintas. O lo amas o lo odias. Yo solo me amo a mí mismo, pero reconozco que sus películas molan.

Hace unos meses leí que se estaba rodando el remake estadounidense de su película más controvertida y célebre: "Funny Games". Me sorprendió que fuera el propio Michael Haneke el que la dirigiera, y más aún, que declarara que las dos películas, remake y original, serían exactamente iguales. ¿Por qué carajo se pasó al otro bando el autor que suelta sapos y culebras del cine de Spielberg, al que considera indecente? ¿Dinero, pérdida de cordura, falta de coherencia artística? No olviden lo dicho en el párrafo anterior. Su cine cabrea, y es lo que pretende. Michael Haneke, eterno provocador.

¿No han visto "Funny Games"? Pues vayan corriendo a la mula. Es una de las pelis más sádicas, divertidas y autorreflexivas que recuerdo. Planteada como una crítica al tratamiento de la violencia en el mundo audiovisual (en la línea de su anterior y no menos bruta "Benny´s Video"), "Funny Games" cuenta la historia de un matrimonio con niño que, en su paradisíaca casa de campo, recibe la visita de dos extraños. El resto pueden verlo en el trailer. Si en la versión alemana brillaban el joven Arno Frisch y el recientemente fallecido Ulrich Mühe, la versión americana cuenta con un plantel de lujo formado por Naomi Watts, Tim Roth y Michael Pitt (el álter ego de Kurt Kobain en ese alucinante experimento cinematográfico que es "Last Days").

Y a lo que íbamos, no solo la película americana va a ser igual que la original, ¡es que los trailers de ambas pelis son iguales! Mírenlo, mírenlo.

Aquí el trailer de la nueva versión americana:

Aquí el trailer alemán:

Jajaja...Son clavados...Fucking Michael!

Fuente: Blog de cine.

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